Formado en Derecho y Artes Visuales en la Universidad Católica de Chile, el artista Manuel Ugarte ha desarrollado una trayectoria marcada por la introspección y la búsqueda de sentido. Participó en tutorías con Natalia Babarovic y Christian Yovane, experiencia que reforzó su idea de que la pintura no es solo una técnica, sino una forma de conciencia. “Cuando miras las cosas sin darlas por obvias, comienzan a sorprenderte. Lo cotidiano se vuelve extraño, vivo. Me interesa recuperar ese asombro, esa belleza discreta de lo común”, explica.

Ventana, 110 cm x 80 cm, 2024, óleo sobre tela.

Su obra reciente, “Tiempo de espera”, presentada en el Parque Cultural de Valparaíso, nació de la observación de las salas de espera del sistema público de salud. “El proceso fue exigente en lo técnico y emocional, porque convives con la fragilidad. Te enfrentas al dolor, a la esperanza y a los temores propios. Pero también a la capacidad humana de transformarse y seguir adelante”.

La imaginación y la sensibilidad son el sistema digestivo del espíritu. Nos permiten absorber, procesar y transformar las múltiples experiencias que supone la vida”.

 Para Ugarte, pintar es una manera de entender lo que nos ocurre. En esa práctica, la pintura se vuelve una forma de pensamiento. “A veces un rincón, una luz o una temperatura del día se me quedan en el cuerpo. Esa sensación persiste y se mezcla con recuerdos o ideas hasta que siento la necesidad de pintarla. Entonces quiero transmitir su textura, su peso, su color, su temperatura: capturar vivo lo que vi y ya sucedió”.

Las cosas, 4,5 m x 3 m, 2023, óleo sobre tela.

La pintura como una forma de conciencia

El artista define su estilo como “realismo expandido”, un lenguaje que parte de lo figurativo y se abre a lo simbólico y lo abstracto. “El realismo no tiene que ver con reproducir apariencias, sino con traer algo vivo del pasado al presente. Para capturar lo real
–que también incluye emociones, imágenes mentales o fenómenos de la mente– hay que absorber herramientas de otros lenguajes visuales, como la abstracción o el expresionismo”, señala.  

Esa mirada también lo lleva a reflexionar sobre el valor de la pintura en tiempos digitales. “Lo digital llegó para quedarse, no para sustituir. La pintura no debe ser resistencia, sino alternativa. En ella habita el peso, el cuerpo, el tiempo. Me interesa recuperar la experiencia ritual del espectador frente a la obra, que lo confronte a algo que no puede dominar con un clic. En ese gesto de vulnerabilidad, el arte comienza su trabajo”.

El arte en la sala de clases

Manuel Ugarte cree que el arte tiene un lugar irrenunciable en la educación. “Es un lenguaje y una herramienta esencial en el proceso de aprendizaje de niños, adolescentes y adultos. La imaginación y la sensibilidad nos permiten absorber, procesar y transformar las experiencias de la vida. Cifrar y comunicar eso nos hace más conscientes de lo que nos pasa y nos permite ayudar a otros a ser más conscientes también. Esa conciencia nos ayuda a construir sentido”, señala.

Para él, formar personas sensibles y creativas es tan importante como enseñar contenidos: “El arte no busca formar artistas, sino seres humanos capaces de mirar, esperar y comprender. Es un espacio donde emoción, razón y cuerpo se integran, donde se aprende a habitar el mundo”.  

En un tiempo marcado por la inmediatez y la distracción, insiste en la necesidad de recuperar la lentitud del arte: el gesto de observar, crear, esperar y dejar que las cosas ocurran. “Promover la creación artística en las escuelas –y su relación con otras disciplinas– es una tarea urgente. Porque en la era de la inteligencia digital, lo que más necesitaremos será sentido”.

Educar desde la sensibilidad

En esa misma línea, Manuel propone que las instituciones educativas impulsen la creatividad mediante proyectos interdisciplinarios donde los estudiantes unan técnica y emoción. “El arte es un espacio de síntesis, donde se cruzan la ciencia, la historia, la filosofía, la experiencia. Cuando los jóvenes comprenden que una idea puede transformarse en forma, color o imagen, aprenden que todo conocimiento es, en el fondo, una construcción de sentido”.

Por eso, sostiene que incorporar el arte en el aula no debería verse como un complemento, sino como una forma de educar integralmente. “El arte nos entrena en lo humano: nos enseña empatía, paciencia y conciencia. Y eso, en un mundo acelerado y tecnológico, es lo que más necesitamos cultivar”, concluye.

El arte como práctica educativa

• Las actividades artísticas favorecen la observación, la empatía y la reflexión.
• El arte fomenta una educación integral donde emoción y pensamiento se equilibran.
• En tiempos digitales, el arte ofrece un espacio físico y simbólico para reconectar con lo humano.
• Es necesario promover su integración interdisciplinaria, pues ayuda a formar estudiantes más conscientes y creativos.